展場音樂

在我看（或是更正確地說，聽）現代藝術的經驗中，多媒體作品的配樂（或有稱「聲音設計」，但兩者其實是可以區分的）往往具有一些非常容易辨識，幾乎普遍的特質：單調、低調、沉靜，但是用意清楚，一聽就可以知道它想要作出何種效果，但反覆地去聽之後，也不會更多發現些什麼。這似乎是因為，展場裡面的作品需要某種立即性、流利的語言，可以允許概念難解但不能朦朧不明，如此才能夠攫住觀(聽)眾－－要先能留下鮮明的印象，才會有機會去思索它背後所要表達。然而就算是（稍有變化的）流行音樂也不是一聽鐘情的音樂；首次帶來的往往只是一個模糊的直覺，讓人去猜想，值不值得去給予它進一步的投注，去聽懂它，進入它的韻律或漫流；一但進入其中，音樂便吸住人的心智，而妨礙了整件作品的概念性。初始的朦朧和後來的專制，也許是精采的音樂和藝術作品不易妥協的原因之一，但也許兩者也不是全然無法妥協的，例如倫敦未來之音為Kinetica Museum所做的展場音樂，從我們所習慣的數位藝術式低調配樂起頭，一步一步慢慢帶入通常音樂的旋律性，也許就沒有那麼強的違和之感，但這應該也不是唯一的模式。